Lo mejor de Madrid (del 12 al 18 de noviembre)
La clausura del amor.
La clausura del amor.
Vuelve la agenda de Miluca Martín con todo lo mejor de Madrid para esta semana. Una lista de recomendaciones muy bien elegidas y contadas con algo más que una nota de prensa.
TEATRO
#La clausura del amor
Certeramente escrita y dirigida por el dramaturgo galo Pascal Rambert, La clausura del amor es una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón, una cuchillada en las entrañas que busca dividir aquello que una vez prometió ser eterno.
“Con nombre propio, una pareja clausura su amor. Él rompe el hielo y expone sus argumentos, sus quejas, su dolor, su rabia, su amor durante casi una hora. Sin interrupciones. Con un lenguaje preciso, quirúrgico, torrencial, apenas hay pausas, las frases son largas, se encadenan entre sí, las palabras se reformulan, habla sin rodeos. “¿Quién habla así hoy en día? ¡Pues yo hablo así!”, dice. Rememora los momentos pasados juntos, no todo ha sido malo pero él se siente prisionero en esa relación, atrapado en una red. La relación se ha convertido en un mausoleo. Como en muchas parejas, el momento de la separación les transforma, las palabras se vuelven violentas y saben dónde hacer daño, pero es que “los seres humanos se hacen estas cosas”. No quiere nada material, solo una silla y un dibujo y por supuesto, a sus hijos, que no van a ser una mercancía porque, si ella es una loba, él es un lobo. Poco a poco, con sus palabras se va construyendo su barrera de protección, su cercado, su clotûre. Mientras, ella encaja los golpes sin decir ni una palabra, mirándole de frente. A veces no puede más y se derrumba y él le exige que se levante, que no muestre su debilidad. Debe escuchar todo lo que tiene que decirle, porque ella es fuerte. Adelante, es la guerra, una guerra cuerpo a cuerpo, como la de los soldados de Napoleón, una guerra de bayonetas. Pero cuando él termina de hablar y hace intención de irse, ella le detiene. Tras lo que acaba de escuchar debe de estar destrozada y no crees que pueda recuperarse pero sí, sí puede. Y no, no va a marcharse así como así, ahora le toca a ella rebatirle, criticarle, reprocharle, dispararle. No da crédito, no reconoce a la persona que tiene delante: “¿De dónde sacas esas expresiones? ¿Qué es ese nuevo lenguaje?”. Y le desmonta todos sus argumentos, le muestra su visión de la relación, más pasional y más tierna. Ella no quiere nada material, se queda solo con instantes vividos y palabras dichas. Y no va a entrar en su guerra porque, en el fondo, siente pena por él porque su castigo será la soledad. Para el autor Pascal Rambert, es una obra donde “lo más importante es el lenguaje, esencialmente es texto, la forma en cómo usamos el lenguaje en determinadas circunstancias es más efectiva que la tortura física. Las palabras dichas actúan sobre el cuerpo con dureza, y podemos ver cuál es el efecto del lenguaje, que sale de un cuerpo, atraviesa un espacio y llega al cuerpo del otro”.
Ese lenguaje nuevo se refleja ya desde el título, como dice Rambert: “Fue la belleza de la palabra “clausura” lo que me atrajo. Me gustó mucho La Clôture, el libro de Jean Rolin que habla sobre el bulevar que rodea París. La Clôture hizo un recorrido dentro de mí. Un poco como la trayectoria del planeta Melancolía, en la película de Lars von Trier, “clausura” se pegó como un satélite a la palabra “amor”. Por otra parte, me apetecía algo muy simple: una persona entra en escena y habla. Una pareja clausura su amor y te hechiza y absorbe”. Coto Adánez, traductora y adaptadora de la obra.
Dirección y dramaturgia: Pascal Rambert. Intérpretes: Bárbara Lennie e Israel Elejalde. Traducción y adaptación: Coto Adánez.
Del 11 al 15 de noviembre. Teatros del Canal. Cea Bermúdez, 1.
#El público
“Me gusta el teatro por sus posibilidades oníricas, cercanas al cine pero que no abandona la literatura, porque permite seguir soñando, siendo un niño. Como espectador, cuando acudo al teatro, me gusta que suceda algo irrepetible. Por eso al montar esta obra aspiro a lograr que los espectadores se introduzcan literalmente en la cabeza de Lorca, que escribió este trabajo en un momento personal y artístico muy especial. Este texto me interroga sobre mi compromiso con el teatro: para qué nos sirve, qué estamos buscando en él, cómo seguir avanzando, hasta qué punto me traiciono (o censuro, o asumo riesgos) para seguir adelante, tanto en la vida personal como en la artística… Recordemos que el propio Lorca dejó el manuscrito en un cajón, a pesar de haber creado la que seguramente es su obra más moderna, mágica y honesta… Todos los creadores tenemos la obligación de conectar cada día con el público, y a veces eso puede convertirse en una cierta esclavitud, pues a la vez anhelamos hacer viajes más profundos… Esta pieza de Lorca es un reto, un viaje intenso y valiente de una belleza extraordinaria y que refleja un posicionamiento personal y artístico. Desde muy joven me he sentido fascinado por esta obra, pero necesitaba un bagaje vital o madurez para enfrentarme a ella, y ahora he encontrado también un equipo artístico óptimo. La grandeza de Lorca no termina con el texto, sino que comienza en él, pues la potencia de las imágenes visuales es enorme. No pretendo añadir capas o interpretaciones al material, sino dejarlo desnudo y descubrir cómo puede esta poesía conectar con el público de hoy, no solo aquel ya acostumbrado a los lenguajes más experimentales: queremos que el público más clásico pueda disfrutar igualmente de esta experiencia.
Ya el título de la obra evidencia la centralidad de la figura del público, y es altamente premonitorio e inquietante, pues la pieza reflexiona sobre ese gran desconocido, ese colectivo anónimo, que asiste a la representación teatral que sucede fuera de escena, el que nosotros, los espectadores reales, nunca llegamos a ver. Lorca quiere que el público se vea reflejado como en un espejo, y en cierto modo denuncia —crítica compartida en el contexto europeo vanguardista de la década de 1920— al público convencional, es decir, a “la burguesía frívola y materializada, que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral”. Y el concepto del público no se limitará al contexto del teatro, sino que, en un complejo e íntimo juego de significados, simboliza también aquel sector de la sociedad que reacciona violentamente ante “las verdades más inocentes”. Veremos más adelante cuáles son esas verdades. Por esto y por la aparente ilógica de sus visiones, el mismo Lorca sabía que su obra sería muy difícil de llevar a escena sin el enfado del auditorio. Pero tenía fe en que en el futuro la pieza encontraría su público.
Escrita en su mayor parte en Cuba, en papel del hotel donde se alojaba, la obra fue leída a un grupo de amigos en 1930 y, una segunda lectura, en 1936, pero permaneció inédita hasta 1976, cuando fue publicada en versión incompleta. Uno de los dos manuscritos nos ha llegado gracias a la desobediencia de su amigo, el escritor Rafael Martínez Nadal, que lo recibió de manos de Federico en julio del 36 con el encargo de “destruirlo si le pasara algo”, en lo que sería la despedida definitiva de los dos amigos. Lorca fue asesinado un mes después y su obra debió esperar hasta el año 1978 para ver por primera vez la luz en un escenario (en el teatro de la Universidad de Puerto Rico). El primer montaje en España lo realizó en 1986 el director Lluís Pasqual, en el Centro Dramático Nacional, con escenografía de Fabià Puigserver y Frederic Amat.
El público plantea una doble trama: una amoroso-íntima y otra artístico-social. Por un lado se sirve del amor homosexual —una forma más de amor—, para reivindicar el amor como suceso esencial que se manifiesta más allá de los márgenes de lo establecido, y que supera las barreras de identidad, género, voluntad humana o convencionalismos que lo constriñen. Por otro lado, expone la contraposición entre dos tipos de teatro: el que pone de manifiesto un drama auténtico, en el cual va implicada la intimidad del autor (teatro bajo la arena) y aquella representación convencional, del gusto de una determinada audiencia o taquilla que prefiere no enfrentarse con la verdad del escenario (teatro al aire libre).
Lo radicalmente nuevo es la forma y compleja estructura que emplea Lorca para hacer esta reflexión sobre el amor, sobre la verdadera identidad y sobre el arte. Las fronteras entre ambos universos teatrales no se mantienen nítidas en ningún momento de la pieza. La acción de la obra solo ocurre en la mente del protagonista, el Director. Se utiliza una lógica poética, una estructura propia de los sueños, un ritmo cinematográfico, un tiempo que es el tiempo interior del Director, un espacio que está fraccionado y cuyas leyes clásicas están disueltas y unos personajes que están más en función del Director que de su propia individualidad como caracteres”. Álex Rigola.
Director: Álex Rigola. Reparto: Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Jaime Lorente, David Luque, Pau Roca, Pep Tosar, Jorge Varandela, Nacho Vera, Guillermo Weickert.
Hasta el 29 de noviembre. Teatro de la Abadía. Fernández de los Ríos, 42.
Ciclo de Teatro Latino Americano
Cuándo todos pensaban que habíamos desaparecido
Una historia no lineal. Un ritual entre dos regiones, cocina en tiempo real que configura un discurso respecto a nuestro pasado inmediato y al encuentro, entre dos culturas México-España. Un encuentro que ha tenido su devenir en un conjunto de las peores tragedias, una circunstancia de lo humano. Una celebración de vida. Los actores narran su historia personal a través de su comida, esta comida que tiene una historia y que es una historia que nos configura a todos los que vivimos esta historia moderna. Se invita al espectador a la mesa de los recuerdos, y a la mesa de preparación, y ahí sucede un viaje que se cocina lentamente, para conmemorar a nuestros muertos, consignar el pasado y celebrar la vida y el presente. La compañía mexicana Vaca35 vuelve con una experiencia de gastronomía escénica. Un proyecto que quiere hermanar recuerdos, emociones, anécdotas y cosmovisiones a partir del diálogo entre dos mundos que se encuentran alrededor de una mesa. Un trabajo de creación colectiva. Una experiencia para los sentidos pero también una gran oportunidad para profundizar en el conocimiento de nuestra civilización.
Creación y dramaturgia colectiva. Dirección: Damián Cervantes . Gastronomiaescénica, teatro documental en base a la comida y la fiesta de muertos. Con Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, José Rafael Flores, Cristina Gamiz, Jorge Yamam, Diego Paqué.
Del 12 al 15 de noviembre. Naves del Español. Matadero. Pº Chopera, 10.
Fotorreporteros. Foto de: Andres Martinez Casares / Polaris)
ARTE
#UPFRONT. Fotorreporteros de guerra
La Cooperación Española organiza una exposición fotográfica con el trabajo de los fotorreporteros de guerra más destacados sobre los conflictos abiertos en el mundo.
“Un nuevo desorden mundial se abre tras el 11 de septiembre. En él se ha formado la generación más internacional de fotorreporteros hispanos de la historia», afirma Ramiro Villapadierna, que cubrió como reportero las revoluciones y conflictos en Europa Central y los Balcanes. y hoy dirige el centro del Instituto Cervantes en Praga. En ese centro se gesta y se concibe UPFRONT, una exposición producida y financiada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). La muestra reúne el trabajo de una veintena de prestigiosos fotógrafos –hombres y mujeres– que cruzan fronteras cerradas, se adentran en medio de conflictos armados, se dirigen adonde la gente huye y son capaces de dejar su marca en las portadas de la prensa de todo el mundo y cosechar el premio y el reconocimiento del periodismo global.
Veintitrés profesionales que comparten una mirada inquisitiva y un idioma, cubriendo las heridas del mundo y la actualidad, desde Afganistán a Haití, pasando por Siria, Congo, Libia o Centroamérica. Con menos medios y más riesgos que antes e incertidumbres sobre su destino pero no sobre su papel, algunos han vivido el secuestro, el aislamiento, el hambre… Pero también el reconocimiento en forma de premios como los Pulitzer o los World Press Photo.
En palabras de Villapadierna, comisario de la exposición, UPFRONT abre la puerta al público a uno de los oficios más expuestos y traicioneros del momento y aclara que «las imágenes no buscan acongojar, ni incitar el voyeurismo, ni siquiera promover la gran fotografía como vía del arte moderno; tampoco aún proponer iconos. Sugieren un experimento que conecta en línea los muchos frentes del mundo con el sofá casero, desde el que contemplamos distraída e indiscriminadamente, todo el ruido y la furia visual que nos ensordece a diario».
Son profesionales que arriesgan mucho, incluso la vida. UPFRONT es también un homenaje al desaparecido Miguel Gil, uno de los reporteros españoles más internacionales, fallecido mientras ejercía su trabajo.
La muestra está compuesta por 74 imágenes, 3 vídeos, una banda sonora, un libro y un poema. Pero no se trata de una exposición meramente visual. Según explica el propio comisario, «se ha concebido de una manera experiencial, con la intención de reproducir sensaciones o situaciones que los reporteros viven habitualmente».
Una fría y oscura sala recibe al visitante, que durante unos minutos queda desorientado y rodeado por grandes imágenes pendiendo de un techo inapreciable. A modo de pantallas colgantes, las fotografías, sin marco, parecen abalanzarse sobre el espectador. La oscuridad solo queda interrumpida por esporádicos disparos de flashes que sobre una banda sonora especial emulan fogonazos letales y contribuyen a generar el desasosiego y confusión del “territorio comanche”. El pavimento bajo los pies, quizás cristales, recrea la inseguridad a cada paso en que se mueve el propio fotógrafo en un inhóspito territorio de conflicto.
La muestra se inspira con un texto de la poeta andaluza Gracia Morales (Granada, 1973), cuyas palabras construye el momento del reportero ante la foto. De fondo, una banda sonora constante acompaña la visita; se trata de una composición musical de Mariano Lozano creada específicamente para UPFRONT.
Las fotografías se han dispuesto creando una suerte de diálogos ficticios entre ellas. Así, mientras vemos la imagen de una mujer que llora con un niño, junto a ella, podemos contemplar otra de un francotirador disparando. Ese tipo de imágenes, que parece que encajan, establecen un diálogo entre sí que en realidad es falso. Pero más allá de la trampa propuesta, un vínculo común enlaza todos los trabajos expuestos: el dolor, que para la veterana fotógrafa Sandra Balsells, «es lo único que no ha cambiado a través de la historia» y la geografía.
Pep Bonet, Rodrigo Abd, Manu Brabo, Olmo Calvo, Sergio Caro, José Colón, Ariana Cubillos, Luis de Vega, Esteban Felix, Raúl Gallego Abellán, Ricardo García Vilanova, Diego Ibarra Sánchez, J. M. López, Andoni Lubaki, Catalina Martín-Chico, Andrés Martín Casares, Maysun, Alfonso Moral, Natacha Pisarenko, Rafael S. Fabres, Miguel Ángel Sánchez, Guillem Valle, Álvaro Ybarra Zavala.
Hasta el 31 de enero. Centro Conde Duque. Conde Duque, 11. www.aecid.es
#Concrete
El fotógrafo vasco Antón Goiri presenta su visión plasmada sobre espacios que juegan con nuestra percepción, anclados en la delgada línea entre realidad y ficción. Como un héroe idílico Goiri sobrevuela las profundidades. Nos invita a su recorrido abisal del que no hace más que extirpar luz, brillo y sombra. Con su cámara se enfrenta a unos escenarios sórdidos, pesados de realidad, para llenarlos de una magia y poesía que sólo su imaginación y su pulida técnica pueden extraer.
Como alquimista de la imagen, en su arte, túneles y recintos subterráneos cobran vida más allá de la profunda oscuridad. Aquí uno no se enfrenta a los túneles de Ernesto Sábato. En Concrete nos enfrentamos a túneles de luz, en los que la arquitectura y la construcción desaparecen para acercarnos a un espacio de ensueño atrapado entre el universo de David Lynch y el de Nicolas Winding Refn. No es casual que sus imágenes remitan a novelas, películas o sueños, ya que su imaginería es narrativa, compuesta con precisión y sobre todo intención de llevarnos más allá de lo cotidiano.
Esta forma que utiliza Goiri para transportarnos a su espacio lo pone en un plano más metafísico que el de un simple cazador de imágenes. Lo coloca en el espacio del arte, donde lo que vemos no es ni pretende ser simplemente lo que es.
Hasta el 12 de diciembre. Mondo Galería. San Lucas, 9.
MÚSICA
#Belle & Sebastian
Tras cinco años de silencio discográfico, los escoceses Belle & Sebastian han vuelto con su noveno álbum, Girls in Peacetime Want To Dance. Un trabajo de marcado carácter optimista con sutiles giros electrónicos, baladas barrocas y masivos ganchos Europop. Belle & Sebastian son Bob Kildea, guitarra y bajo; Chris Geddes, piano y teclados; Mick Cooke, trompeta, guitarra y bajo; Richard Colburn, percusión; Sarah Martin, voces y violín; Stevie Jackson, guitarra y voces; y Stuart Murdoch, piano, guitarra y voces. El grupo escocés se formó en enero de 1996 en Glasgow. Tras su primer álbum, Tigermilk, del que se publicaron solamente 1.000 copias, reeditado más tarde y cuyos originales hoy en día son codiciados como auténticas joyas de coleccionista. Ahora están de vuelta con Girls in Peacetime Want To Dance, un trabajo que sigue la estela de su sonido de siempre, con la melodía y las armonías vocales siempre en primer plan..
Artista invitado: Other Lives.
Días 14 y 15 de noviembre. La Riviera. Pº Virgen del Puerto s/n. 19.00 h.
#10 Años de Costello
“Me encanta que los planes salgan bien» (Hannibal Smith, A Team).
«Esa frase podría resumir estos 10 años, quizás quedaría más moderno la cita de algún poeta hipster húngaro, pero esto es lo que hay, en Costello Club complejos los justos, y es que el plan, en efecto, ha salido bien. El plan era montar un club donde encontrarnos a gusto, un sitio donde pasaran cosas, donde la música fuera la protagonista para escucharla y para crearla, para encontrarte con gente, para montar una banda, cerrar un buen trato o irte esa noche a casa muy bien acompañado…, todo eso ha pasado, pasa y seguirá pasando en Costello Club, nada más… y nada menos.
Cuando mi hermano Paco me llamó una tarde de febrero de 2005 y me dijo: «Lo tengo, deja todo lo que estés haciendo y vente a Caballero de Gracia 10″, no me podía imaginar que una década después iba a estar escribiendo esto, pero la verdad es que a los tres meses de aquello estábamos haciendo la obra del local y a finales de octubre inaugurando. Y ahí empezamos, con la incertidumbre de lo que podría pasar pero con la certeza de que hacíamos lo que queríamos. Afortunadamente, enseguida nos dimos cuenta de que habíamos acertado, la respuesta fue inmediata por parte de clientes, artistas, medios…, que son los que realmente han hecho de Costello lo que es hoy en día y a los que estamos eternamente agradecidos. También agradecidos a los que desde dentro han construido Costello, los que siguen desde el principio en el proyecto y los que han pasado por aquí y han contribuido de alguna forma a hacer posible esta aventura.
Como es normal en estos 10 años nos ha pasado de todo, las cosas buenas las guardamos en la carpeta de los recuerdos imborrables y no se pueden contar, lo que pasa en Costello queda en Costello; y las malas las tenemos muy presentes para intentar que no se repitan, pero lo importante es que seguimos en primera línea, junto con todos los locales hermanos que luchan día a día por que esta ciudad, a pesar de todo y de algunos, siga siendo un poco más interesante cada noche. Para celebrar este 10 aniversario hemos preparado un montón de cosas para que las disfrutemos juntos. Aquí os esperamos». Dani Marín.
La sala celebra su décimo aniversario con conciertos durante todo el mes.
12 noviembre: Tulsa + Ana + Acuario.
13 noviembre: Villanueva.
14 noviembre: Jack Knife.
15 noviembre: Pasajero.
18 noviembre: Havalina.
Costello Club. Caballero de Gracia, 10.
#SOS SAHARA FESTIVAL
Con el objetivo de paliar los devastadores efectos de las inundaciones provocadas por las lluvias torrenciales que han anegado desde hace tres semanas los campamentos de población refugiada saharaui, se va a celebrar un concierto solidario.
Los artistas confirmados hasta la fecha son: Rozalén, Muchachito, Canijo de Jerez, Carmen Boza, Luis Pastor, Javier Bergia, Virginia Rodrigo, Tonino Carotone, Antílopez, Nosotros Family (aka Yslem Hijo del Desierto), Amir John Haddad, Diego Montoto, Muerdo y Nacho Taboada.
La recaudación del concierto será entregada a la Media Luna Roja Saharaui, que canaliza la ayuda. Para los que quieran colaborar pero no puedan ir, se ha dispuesto una FILA CERO: ES84 0081 0655 63 0001351540
El concierto solidario tiene también un carácter reivindicativo y de recordatorio, pues este mes de noviembre se cumplen 40 años del abandono por parte de España del Sáhara Occidental, que era provincia española hasta 1975. Y es también un homenaje a los 40 años de solidaridad que buena parte de la ciudadanía española ha mostrado siempre hacia esa causa justa que reivindica un territorio de manera pacífica.
Jueves 12 de noviembre. La Riviera. Pº Virgen del Puerto s/n. 19.30 h.
#30º Aniversario Ruta 66
Johnny Burning Trio + Julián Maeso + Los Chicos.
Sábado 14 de noviembre. Sala El Sol. Jardines, 3. 22.30 h.
LIBROS
#Siniestro Total, de Pedro Simón (FronteraD)
La crisis económica se mide en cifras, balances y estadísticas, pero tiene un rostro humano que se traduce en vidas deshechas, familias desesperanzadas y porvenires truncados, así como un paisaje devastado de cemento y ferralla que jalona nuestra geografía. A lo largo de varias series publicadas en el diario El Mundo, el periodista Pedro Simón ha recorrido España de punta a punta para documentar la crisis y reconocer, mirándolas a la cara, a las víctimas de una destrucción sistemática y cruel que he devenido en un siniestro total.
Una de estas series, La España del despilfarro, fue distinguida en 2015 con el premio Ortega y Gasset. El jurado destacó su enfoque novedoso: “Son reportajes que acercan otra capa del despilfarro. La serie de reportajes no reitera hechos ya conocidos, sino que descubre al lector casos aparentemente menores dentro del gran relato del despilfarro de recursos públicos en España en los últimos años”.
Presentarán al autor Manuel Jabois, Ana Pastor y David Gistau.
Martes 17 de noviembre. La Central de Callao. Postigo de San Martín, 8. 19.30 h.
#La política en tiempos de indignación, de Daniel Innerarity (Galaxia Gutenberg)
Los años de la crisis han llenado las calles de manifestantes indignados (como el 15-M en España) y han sido un revulsivo que ha dado lugar a nuevos movimientos sociales e incluso nuevos partidos. Esta poderosa ola de indignación ha hecho que se tambalearan muchas instituciones.Puede que los tiempos de indignación sean también tiempos de confusión. Este libro es un intento de calibrar lo que hay de valioso en todo ello y cuáles son sus limitaciones. El autor intenta contribuir a que entendamos mejor la política porque únicamente así podemos juzgarla con toda la severidad que se merece. En una época de indignación, que cuestiona y critica muchas cosas que dábamos por pacíficamente compartidas, Daniel Innerarity repasa nuestra idea de la política preguntándose si hemos acertado a la hora de definir su naturaleza, a quién corresponde hacerla, cuáles son sus posibilidades y sus límites, si siguen siendo válidos algunos de nuestros lugares comunes, y qué podemos esperar de ella. Intenta que esa indignación no se quede en un desahogo improductivo, sino que se convierta en un motor que fortalezca la política y mejore nuestras democracias.
Acompañarán al autor: José Andrés Mora, profesor de Sociología y diputado del PSOE; José María Lasalle, profesor de Historia de las ideas políticas y Secretario de Estado de Cultura; Íñigo Errejón, profesor de Ciencia Política y dirigente de Podemos.
Jueves 12 de noviembre. La Central de Callao. Postigo de San Martín, 8. 19.00 h.
#La patria soñada, de Santiago de Pablo (Biblioteca Nueva)
El nacionalismo vasco es el fenómeno político y social más importante de Euskadi y, sin él, es imposible comprender la historia contemporánea española. La estrategia del Partido Nacionalista Vasco, casi desde su nacimiento en 1895, convierte su historia en un caso de éxito sin paliativos que, sin embargo, tuvo que superar grandes dificultades: la incidencia de la Guerra Civil, el exilio y, sobre todo, la ruptura que supuso el nacimiento de ETA en 1959.
Acompañarán al autor Eduardo Madina y el editor de Biblioteca Nueva, Daniel Martínez.
Miércoles 18 de noviembre. La Central de Callao. Postigo de San Martín, 8. 19.30 h.
CINE
#El cine de Aitana Sánchez-Gijón
Fue la primera mujer que presidió la Academia de Cine y lleva tres décadas representando la vida para los demás delante de la cámara y en los escenarios, medios que ha compatibilizado a lo largo de su carrera, tanto en España como en el extranjero. Aitana Sánchez-Gijón, que acaba de recibir la Medalla de Oro 2015, protagoniza el segundo ciclo de noviembre en la Academia, institución que revisa algunas de las películas de la actriz.
Celos, de Vicente Aranda (día 17) y La camarera del Titanic (18 de noviembre).
Academia de Cine. Zurbano, 3. 19.00 h.
#NovoCine. IX Muestra de Cine Brasileño
La novena edición de NovoCine, la gran fiesta del cine brasileño, trae a Madrid siete películas de ficción, un ciclo documental de cinco títulos en homenaje a Eduardo Coutinho, un seminario académico sobre cinematografía de Brasil y el sorteo de un billete de avión para dos personas Madrid- Salvador de Bahía en la inauguración, además de coloquios con los directores de las cintas. NovoCine se inaugura el 12 de noviembre en el Cine Palacio de la Prensa. Tras la inauguración, la muestra de ficción se traslada a la Sala Berlanga del 13 al 19 de noviembre; el Ciclo Documental se desarrolla del 20 al 22 en Cineteca Matadero y el Seminario Académico tiene lugar en la facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid los días 12 y 13 de noviembre.
Viernes, 13 de noviembre: 19.00 h. A despedida, de Marcelo Galvão. 21.30 h. Casa Grande, de Fellipe Barbosa.
Sábado, 14 de noviembre: 19.00 h. Prometo um dia deixar essa cidade, de Daniel Aragão; con la presencia de la productora de la cinta, Mariana Jacob. 21.30 h. Sangue azul, de Lírio Ferreira.
Domingo, 15 de noviembre: 19.00 h. Muitos homens num só, coloquio con su directora, Mini Kerti. 21.30 h. A despedida, de Marcelo Galvão.
Lunes, 16 de noviembre: 19.00 h. S.O.S. Mulheres ao mar. Con su directora Cris D’Amato. 21.30 h. Muitos homens num só, de Mini Kerti.
Martes, 17 de noviembre: 19.00 h. A Estrada 47, de Vicente Ferraz. 21.30 h. Prometo um dia deixar essa cidade. Coloquio con la productora de la película, Mariana Jacob.
Miércoles, 18 de noviembre: 19.00 h. Sangue azul, de Lírio Ferreira. 21.30 h S.O.S. Mulheres ao mar. Charla con la diretora Cris D’Amato.
Jueves, 19 de noviembre: 19.00 h Casa grande. Coloquio con su director, Fellipe Barbosa. 21.30 h. A Estrada 47, de Vicente Ferraz.
Del 12 al 22 de noviembre. Sala Berlanga. Andrés Mellado, 53. Entrada libre.
#Madrid Corto Fest
Un festival de cortometrajes que se desarrolla a lo largo de cinco días, incluido en el marco de la V edición de Madrid Premiere Week organizado por Spiral Pictures para Atresmedia Cine.
MCF es un festival concebido y diseñado para facilitar el acceso de directores noveles al mercado profesional e impulsar la industria del cine en España. Se proyectarán 16 trabajos.
Sólo cinco finalistas podrán optar a los premios, que se darán a conocer en la gala clausura del festival que se celebrará el 30 de noviembre en la sala Callao City Lights.
Del 9 al 12 de noviembre. Sala Berlanga. Andrés Mellado, 53. Entrada libre.
CONFERENCIAS
Ciclo Mujeres contra la impunidad
#Atrapadas en un mundo de hombres, por Chika Oduah
Las mujeres sufren constante represión en Nigeria. Con altas tasas de violación y de violencia doméstica y con la mayoría de los agresores en libertad. A estas violencias cotidianas se suma la alta peligrosidad de las redes de trata y del grupo extremista Boko Haram. En Nigeria, una mujer no es realmente independiente. Una niña es, generalmente, la propiedad de su padre y de su pariente anciano. Cuando se casa, se convierte en propiedad del marido. En Nigeria todavía existen tradiciones como el rito de las viudas, en el que una mujer debe demostrar que no mató a su marido. O la circuncisión femenina, por la que –con diferentes excusas– una niña es mutilada.
Pero existen más tragedias en Nigeria. La primera de ellas es Boko Haram. La segunda es la trata de personas con fines de explotación. Boko Haram es la secta de islamistas radicales que declaró la guerra al Gobierno de Nigeria en 2009. Este grupo quema iglesias, roba bancos, recluta forzadamente a niños para ser soldados y secuestra a mujeres. El 14 de abril del año pasado, miembros de Boko Haram entraron en un albergue de una escuela secundaria y secuestraron a 276 alumnas. La mayoría de las niñas aún están desaparecidas y el mundo, básicamente, se ha olvidado de ellas.
La trata de personas con fines de explotación es otra violación de los Derechos Humanos de las mujeres. En Nigeria, miles de mujeres son captadas bajo engaño. Se les promete una vida de riquezas en Europa. Cuando llegan, son forzadas a prostituirse para pagar la deuda.
Ponente: Chika Oduah (Nigeria) es de las pocas periodistas que realizan reportajes sobre el terreno desde el noreste de Nigeria, donde se ubica Boko Haram. Fue una de las primeras en viajar a la aldea de Chibok, donde Boko Haram secuestró a 276 niñas estudiantes. Documentar este secuestro masivo y otros sobre los derechos de las mujeres la llevaron a ganar en 2014 el Trust Women Journalist Award, otorgado por la Fundación Thomson Reuters.
Modera: Mercedes Hernández, directora de la Asociación de Mujeres de Guatemala (AMG).
Miércoles 18 de noviembre. La Casa Encendida. Ronda de Valencia, 2. 19.00 h.
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