Lo mejor de Madrid (del 6 al 11 de marzo)

Imagen de ‘El último truco de Georges Méliès (Poslední trik Georgese Méliès).

Una nueva entrega de la agenda de ‘El Asombrario’ con lo mejor de Madrid durante esta semana. Teatro, cine, libros, exposiciones, encuentros y todo lo que ni te puedes imaginar.

TEATRO

#Teatralia

La Comunidad de Madrid celebra la XIX edición del Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes, que se inaugura este viernes, 6 de marzo. Para este primer fin de semana, el festival ha programado un total de diez espectáculos que enriquecerán la cartelera de Madrid y otros 12 municipios de la región. De esta oferta, hay dos estrenos internacionales, que llegan a España por primera vez. El arranque del festival correrá a cargo de El último truco de Georges Méliès (Poslední trik Georgese Méliès), de la compañía checa Drak Theatre. El montaje, dirigido a público a partir de 7 años e inspirado en el maravilloso mundo del precursor de la utilización de la magia en el cine, abrirá el festival en la Sala Verde de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid a las 19:00 horas. De este montaje también se podrá disfrutar en el Teatro del Bosque de Móstoles (Avda. de Portugal, 57) el domingo.

Otro de los estrenos que ahora llega a España de la mano de Teatralia es Jugar, de la compañía mexicana Teatro al Vacío. Dos únicos bailarines exploran en el escenario el sentido del juego, en un montaje inscrito en el terreno del teatro físico. La obra estará en el Teatro Tyl-Tyl (C/ Iglesia, 2) de Navalcarnero el domingo 8 de marzo.

Consulta toda la programación de Teatralia

#La pechuga de la sardina

Una de las obras más representativas de Lauro Olmo, un autor de la llamada generación realista, de ese período de la vida y la sociedad española que va desde la Guerra Civil hasta la democracia, ha sido la elegida por su director, Manuel Canseco, para rescatar a este autor gallego para el Centro Dramático Nacional. Al preguntarle por qué ha elegido esta obra, afirma tener una cierta obsesión por ella: “En su época no fue bien acogida por el público, pero creo que es porque no se estrenó en las condiciones adecuadas. No es una función plana, está llena de pequeños guiños que desvelan cómo era la situación de las mujeres en una época en que se castra a la mujer y se le impide ser un ser humano. Otra de las razones por las que elegí esta obra es porque soy un enamorado de las actrices, son más sensibles y esta es una función de delicadezas».

«La construcción dramática de la obra muestra varios conflictos a la vez. Primer amor, desesperanza, embarazo, aborto, maltrato de la mujer. Son temas realistas que algunos momentos son una denuncia de la sociedad», continúa Canseco. «Muestra el mundo de los años 60. Se trataba de dar a Lauro Olmo lo más puro posible. La intención de la puesta en escena es representar el patio de una corrala y que los espectadores fisguen desde arriba la vida de esas mujeres, pero no sólo eso sino también del cinturón que la rodea, que la cerca”.

“Se han buscado influencias dispares en el teatro de Olmo: Arniches, Valle-Inclán, Lorca e, incluso, Benavente. Todos ellos, si nos fijamos, son fieles recreadores de la realidad que los circunda, pero con diferentes estéticas. Yo, al menos en lo referente a esta obra, añadiría a Chéjov, porque La pechuga de la sardina no es ni más ni menos que un trozo de vida, de una vida que pesa inexorable e inevitablemente sobre los personajes. El ambiente y el conjunto de mujeres que habita los estrechos márgenes de una casa asfixiante es el protagonista del drama. Cada uno de los personajes femeninos sirve para definir a los otros, al tiempo que se define a sí mismo. Si quitáramos a alguno de ellos se perdería su reflejo en los demás, con lo que, sin duda, la situación quedaría incompleta. Los hombres, por el contrario, son más prototípicos. Su misión fundamental es ayudarnos a definir el ambiente que rodea –y yo diría que cerca– a la casa”, escribe Canseco.

Lauro Olmo escribió sobre La pechuga de la sardina: «En esta obra he procurado que la fuerza de las situaciones dramáticas surja de los contrastes y que el ritmo de éstos, lento en los interiores o rápido en la calle según las exigencias del drama, vaya creando el gran personaje que condiciona todo lo demás. Ese personaje es el ambiente: un ambiente que adquiere un poder asfixiante, desvitalizador. Todo va conduciendo a unas patéticas campanadas finales. No. La vida no puede caminar llevando en los tobillos unos prejuicios, unos pequeños seudodogmas que, como grilletes, le dificultan el devenir».

Autor: Lauro Olmo. Director: Manuel Canseco. Reparto: Manuel Brun, Marta Calvó, Jesús Cisneros, Víctor Elías, María Garralón, Nuria Herrero, Marisol Membrillo, Cristina Palomo, Amparo Pamplona, Natalia Sánchez, Juan Carlos Talavera, Alejandra Torray.

Lunes con voz. El legado teatral de Lauro Olmo.

Intervienen: José Luis Alonso de Santos (dramaturgo), Jesús Campos (Asociación de Autores Teatrales), Manuel Canseco (director de escena), Antonio Fernández Insuela (catedrático de la Universidad de Oviedo) y Virtudes Serrano (profesora de la Universidad de Murcia).

Lunes 16 de marzo. Teatro María Guerrero. Tamayo y Baus, 4. 20.00 h. Entrada libre.

Jueves 19 de marzo. Encuentro con el público del equipo artístico tras la representación.

Hasta el 29 de marzo. Teatro Valle-Inclán. Plaza de Lavapiés. De martes a sábado: 19.00 h. Domingo: 18.00h.

#La balsa de la medusa

Personajes que se enfrentan a un gran cambio en sus vidas. Los cimientos del mundo que conocen se tambalean, se encuentran a la deriva en un océano de incertidumbre que les dejará desprotegidos, sin la seguridad que el sistema creado ofrece a sus ciudadanos más afortunados. Los cambios de ciclo provocan el miedo irracional en las clases más acomodadas y conectan con lo más primitivo de sus almas, aunque éstas, inconscientes de la gravedad, terminen defendiendo su postura filosófica del mundo hasta la muerte.

Dirección: Manu Bañez. Dramaturgia: Antonio Escribano. Reparto: Marcial Álvarez, Natalie Pinot, Antonio Escribano, Sara Illán, Josh Sánchez y Antonio de la Fuente.

Marzo. La Pensión de las Pulgas. Huertas, 48. Lunes: 20.00 y 22.00 h. Martes: 22.00 h.

#Needles and Opium (Agujas y opio).

Una noche de 1949, a bordo del avión que le lleva de vuelta a Francia, Jean Cocteau escribe su Lettre aux Américains, en la que se mezclan la fascinación y el desencanto: acaba de descubrir Nueva York, donde ha presentado su última película de ficción, L’Aigle à deux têtes. Al mismo tiempo, Miles Davis visita París por primera vez, llevando consigo el bebop al Viejo Continente. Los aficionados al jazz parisinos se sumen en un estado de éxtasis. Cuarenta años después, en el Hotel La Louisiane en París, un quebequense solitario trata en vano de olvidar a su antigua amante. Sus tormentos emocionales recuerdan a la dependencia de Cocteau al opio y a la de Davis a la heroína. Ahí comienza una espectacular experiencia de abstinencia, que muestra el desesperado empeño de un hombre que busca en su interior para vencer el dolor y liberarse de su adicción al amor.

Con un montaje altamente visual, a medio camino entre la magia y el teatro, Robert Lepage revisita, 20 años después de su producción original, Needles and Opium (Agujas y opio). Con escenografía e imágenes originales y un acróbata en escena que complementan las palabras de Cocteau y la interpretación del actor Marc Labrèche.

Texto y dirección: Robert Lepage. Intérpretes: Marc Labrèche y Wellesley Robertson III.

Del 7 al 10 de marzo. Teatros del Canal. Cea Bermúdez, 1. Días 7, 9 y 10 de marzo: 20.00 h. Día 8 de marzo: 18.00 h.

Imagen promocional de «Viejas Pánico». Foto: Roberto Villalón.

#Viejas Pánico

La sala Teatro de la Vida, un espacio promovido por Luis Sampedro, actor y pedagogo argentino-español, se abre al público en El Rastro madrileño, en pases privados para 24 personas, el sábado 7 de marzo a las 20.30 h. La primera obra teatral que se representa es Viejas Pánico, escrita y dirigida por el propio Luis Sampedro. Una pieza de pequeño formato, de 55 minutos, en la que dos ancianas entrañables y de armas tomar están esperando a que las vengan a buscar para cumplir una gran misión. La espera resulta de lo más agitada porque en ella se mezclan el tiempo, la realidad y la fantasía con situaciones disparatadas y canciones de España y Latinoamérica.

ARTE

#El canto del cisne. Pinturas Académicas del Salón de París. Colecciones Musée d’Orsay

Las grandes obras de los pintores considerados académicos en los salones parisinos del siglo XIX es el objeto de esta muestra. Tradicionalmente, la historia parece haberles concedido sólo el papel de contrapunto necesario para la reacción del impresionismo y del resto de tendencias que parecían conducir directamente a las vanguardias y el arte del siglo XX. Sin embargo, este tipo de arte está considerado como el último heredero de la tradición de la gran pintura.

Lo que se entiende como pintura académica engloba a una serie de artistas que buscaron distintas maneras de modernizar una tradición que se basaba en la creencia en un ideal de belleza eterno que encontraba su perfecta expresión en la escultura griega. Todo ello en unos tiempos en los que el mundo había sufrido profundas transformaciones a causa de las sucesivas revoluciones. Y es en ese momento cuando estos artistas se enfrentaron al reto de crear un equilibrio entre la tradición y la necesidad de nuevos modelos. Esta pintura no es por tanto un conjunto homogéneo con unas mismas normas y modelos, sino el intento de readecuar unos principios –fundamentalmente el de una belleza eterna y universal- a una sociedad en plena evolución. Estos pintores, además, no siempre gozaron del favor del público, de la Academia ni de la crítica, sino que intentaron adaptar a su manera la tradición de la gran pintura a un mundo que parecía descubrir la volatilidad del gusto y de la moda.

A mediados del siglo XIX la Academia de Bellas Artes francesa pasó a convertirse en una institución pública, dependiente de unos poderes eminentemente burgueses. Los artistas e intelectuales de la época fueron muy sensibles al malestar que creaba el mundo moderno, el positivismo y la industrialización y a ese mundo desconcertante y lleno de cambios. A todas estas cuestiones respondieron con una huida al pasado, pero también a lo exótico y lejano.

Las obras más importantes de la tradición académica en París fueron adquiridas por el Estado, pasando a las colecciones públicas francesas y, desde su creación en 1986, al Musée d´Orsay. Este museo ha prestado más de 80 obras de los principales artistas académicos que expusieron en el Salón como Ingres, Gérôme, Cabanel, Bouguereau, Laurens, Henner, Meissonier o Baudry, pero también otros pintores que, si bien no se suelen clasificar como académicos, se integraron dentro del sistema expositivo del Salón, y partieron de la tradición para explorar nuevos horizontes, como Alma-Tadema, Gustave Moreau, Puvis de Chavannes o Courbet.

Hasta el 3 de mayo. Fundación Mapfre. Recoletos, 23. Lunes, de 14.00 a 20.00 h. Martes a sábado, de 10.00 a 20.00 h. Domingos y festivos, de 11.00 a 19.00 h.

#Arroyo y Balzac

La fotografía, las tijeras y el pegamento en lugar de la paleta y los pinceles son las herramientas que ha utilizado Eduardo Arroyo para crear los retratos de los personajes de Balzac.  Los lectores de Balzac saben cómo el escritor ha dominado el arte de interrumpir la acción de sus novelas para pararse en uno de los protagonistas que somete a una radiografía despiadada. Casi 5.000 personajes animan el universo literario de Balzac, pero los únicos que parecen haber auscultado son los artistas.  En numerosas novelas de Balzac, el interés de la acción da paso rápidamente al desfile de personajes. Desde este punto de vista, el talento de Balzac es encontrar, para cada uno de ellos, la línea que lo distinguirá por siempre. La obra de Eduardo Arroyo se sitúa en la misma línea: obrar como fisionomista, buscar la singularidad en lo general, conservando a la vez de los personajes que elige esta parte de misterio que los hace novelescos. Pero con la intención de proyectar sus propias obsesiones y sus propias referencias como demuestra el uso frecuente de collages o los fotomontajes.

Hasta el 28 de marzo. Instituto Francés. Marqués de la Ensenada, 10. Lunes a viernes: de 10.00 a 20.00 h. Entrada libre.

Eli Paperboy Reed.

MÚSICA

#Eli Paperboy Reed Trio + Juan Zelada

En 2004 Reed se metió con dos amigos en un sótano en Boston, con un plan: grabar esa combinación de downhome blues, R&B y soul que habían estado ensayando y tocando en clubes de la ciudad durante tanto tiempo. Ese día, Eli y su grupo acabaron grabando 17 canciones, en directo, en un ocho pistas en glorioso mono. Doce de esas canciones resultaron en su primer disco; Eli Paperboy Reed Sings Walkin’and Talking (For My Baby) and Other Smash Hits. Hoy, diez años después, Reed es un conocido músico del circuito soul, con tres discos más, muchos singles y cientos de conciertos a sus espaldas. Se acerca el aniversario de ese primer disco casi casero y Eli ha recordado la magia vivida en aquel sótano con sus colegas y en la idea de recuperar esa manera simple de hacer las cosas. Sus compañeros de grabación han seguido sus carreras con gran éxito; el batería Eli Keszler es un artista sonoro e innovador en la escena experimental de Nueva York mientras el bajista Jake Leckie es un músico de sesión e ingeniero en San Francisco. Ahora los dos Elis y Jake se reúnen para irse de gira y recuperar el disco. Una oportunidad de recuperar sus raíces, con su guitarra, su voz y la compañía de sus dos amigos de siempre.

 Martes 10 de marzo. El Sol. Jardines, 3. 22.30 h.

#Los Punsetes + Sierra. 23 aniversario Moby Dick Club

No existen letras más certeras que las de Los Punsetes. Tienen un don para soltar himnos generacionales, canciones que se quedan en tu memoria. En LPIV, recuperan la inmediatez de sus dos primeros discos. Este trabajo es la consagración de una banda que, tras sus tres primeros trabajos (Los Punsetes, LP2 y Una montaña es una montaña), se ha ganado el respeto de mucha gente cantándole a la inteligencia humana, a la sensibilidad y a la osadía.

Les acompañan Sierra, el nuevo proyecto en solitario de Hugo Sierra (Prisma en Llamas, Margarita), en uno de sus primeros conciertos en la capital presentado su Ep debut, Tiene mucha fuerza.

Sábado 7 de marzo. Moby Dick. Av Brasil, 5. 21.00 h.

#Madrid Popfest

Quinta edición de este festival de indiepop que se organiza gracias al esfuerzo de los miembros del foro People like us y de la Asociación Popfest, con total autogestión, sin ánimo de lucro y sin patrocinadores con el objetivo de dar a conocer y promover la cultura indiepop.

Jueves 5 de marzo: Perapertú. Espíritusanto. Sloppy Joe. Wild Honey. Djs.kronblom

Viernes 6 de marzo. Loor A Los Heroes. Band À Part. Univers. Secret Shine. The Zebras. Discos Calabaza Djs. The Big Sound Authority. LaFonoteca BCN Djs.

Sábado 7 de marzo: Lavandera. No Fucks. Night Flowers. Sea Pinks. AMA. The Manhattan Love Suicides. Djs. Madrid Popfest Djs.

Días 5, 6 y 7 de marzo. Sala Clamores. Alburquerque, 14. Información sobre horarios en www.madridpopfest.com

#Egon Soda

«¡Cuánto queda fuera al hacer un disco! En el caso de El hambre, el enfado y la respuesta quedan tres años de hacer canciones sin saber muy bien si éramos un grupo ya o no, de traslados, de huida y regreso a nuestra ciudad y de reencontrarnos queriéndonos tanto como siempre. Como instrumentistas individuales. Como banda. Decidimos hacerlo rápido y en directo aun sin tener un contrato ni una idea clara de qué hacer con el resultado. Pero necesitábamos hacer música juntos de nuevo. Entre el primer tema compuesto, Siempre hay alguien en el bosque, y el último, Cartílago y Ángel, pasaron 25 meses. Nos fuimos a La Casa Murada y exprimimos al máximo nuestra química al tocar juntos. En esos momentos salían los tres años de rabia, de hambre de música y en estos 20 temas está la respuesta a nuestras dudas». Ferrán Pontón, guitarrista de Egon Soda.

Miércoles 11 de marzo. Costello Club. Caballero de Gracia, 10. 21.00 h

#Fiesta I’m Records

Dorian (que se encuentran preparando nuevo álbum), Los Pilotos (banda de Florent y Bannin, de Los Planetas), Mirémonos 8 (con sus guitarras indie y sus inagotables ritmos tropicales), Poncho ((banda de electrónica pop), Persons (banda madrileña de psicodelia-kraut) y Bisagra (banda de la nueva escena de Granada). Viernes 6 de marzo. Ochoymedioclub. Sala But. Barceló, 11. 19.30 h.

Entrada con invitación en www.ticketea.com

#Ellos + El nuevo acelerador

Un mes después de su último concierto en Madrid, Ellos vuelven a presentar su nuevo disco Pop cabrón. A Guille Mostaza y Santi Capote se les suma una banda con Fran Gas a la batería, Juanjo Reig al bajo/guitarra, Laura Put y Frank Gálvez a los teclados y Xiana Fumega a los coros.

Sábado 7 de marzo. Independence Club, Doctor Cortezo. 1. 20.30 h.

CINE

#La Sala de los Cineastas

El Círculo de Bellas Artes, en colaboración con la Unión de Cineastas, trae semanalmente otra forma de ver cine. Estrenos, coloquios con cineastas, rescate de películas malditas y todo lo que permite pensar el cine español como bien cultural parte del patrimonio de todos.

10.000 noches en ninguna parte. Ramón Salazar (2013)

Tres vidas paralelas en tres ciudades europeas: en Madrid, bajo el yugo de una madre alcohólica y posesiva; en París, un romance junto a una joven estrafalaria, y en Berlín, un trío en el piso de una pintora. 10.000 noches en ninguna parte es la historia de Andrés.

Miércoles 11 de marzo. Círculo de Bellas Artes. Alcalá, 42. 21.00 h.

#Maestros ocultos

Más allá de los avances del denominado cine de vanguardia, en tantas ocasiones anclados por el virtuosismo formal, muchos autores, artistas, escritores, intelectuales, filósofos, han encontrado en el cine el espacio para profundizar en nuevas formas de pensamiento y de percepción, o el soporte para representar, como nunca hasta entonces, las realidades paralelas investigadas por heterodoxos del arte, de la espiritualidad o de nuestra esencia como seres humanos.

Con esta muestra se quiere evidenciar estas relaciones habitualmente ignoradas. Es el caso de terrenos del pensamiento mágico y de la filosofía alternativa sobre la gran pantalla a manos de grandes cineastas, como ocurrió con Murnau y sus labores cabalísticas narradas en El lenguaje de las sombras: Años de juventud y Nosferatu. O de la representación del vidente desde su descontextualización (la incompleta y buñueliana Simón del desierto), y desde su actualización iconoclasta a manos de Fernando Arrabal en Iré como un caballo loco…, del que ofrecemos su autorretrato iluminador: Arrabal, cineasta pánico. Y si el cine es soporte esclarecedor y misterio en uno, las obras de José Luis Guerín ahondan en su origen mítico, iniciático y fantasmal, como en Tren de sombras o en Dos cartas a Ana (la dama de Corinto), la dimensión iniciática del propio cine se revela en La danza de la realidad, de Alejandro Jodorowsky. Y no olvidamos el pensamiento oculto y sus derivaciones en el séptimo arte, rescatando elementos como la alquimia o la simbología, presentes en De Occulta Philosophia, de Daniel V. Villamediana, o en el corto experimental Swedenborg, de Antoni Padrós.

Del 2 al 8 de marzo. Sala Berlanga. Andrés Mellado, 53. Información de pases y horarios www.salaberlanga.com

LIBROS

#XV Aniversario Páginas de Espuma

La librería Alberti celebra  los 15 años de la editorial Páginas de Espuma con un encuentro con el editor Juan Casamayor, Clara Obligado, escritora, y Eloy Tizón, escritor.

Viernes 6 de marzo. Librería Alberti. Tutor, 57. 20.00 h.

Sobre el autor

Miluca Martín

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